SUCESO: De lo colectivo, lo afectivo, y la performance en un territorio descentrado: algunas notas sobre Convergencias - Encuentro Regional de Performance en el NOA 2025
- Coordinación Pasantías Argentina Performance Art
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Convergencias es un proyecto co-organizado por Alejandro López, Eulogia Estrada Cejas, Florencia Ruiz, Florencia Vallejos, Gabriela García, Luciana Martinez, Maria Morales Miy, Mary Bello, Nadia Salvatierra, Sol Romero Ponce, Soledad Sánchez Goldar y Verónica Galván; artistas de Tucumán, Salta y Jujuy. En este compilado, Sanchez Goldar, quien participó en la gestión y curaduría, repasa las acciones que atravesaron el encuentro del 2025 que se llevó a cabo el Museo de Bellas Artes Lola Mora de la ciudad de Salta.
Por Soledad Sánchez Goldar
Somos un grupo de artistas que confluímos en un taller de arte de acción que dicté en el año 2024. En esos encuentros pensamos que queríamos organizar algo para juntarnos, mostrar nuestros trabajos, dialogar y reflexionar sobre nuestras prácticas.
Todas las organizadoras de este encuentro cumplimos un doble rol: por un lado, coordinamos el evento y realizamos las gestiones necesarias; y por otro lado, asumimos el rol de artistas, participando con una performance. En mi caso, en esta primera edición, participé asimismo desde lo curatorial. Este doble rol también habla del contexto de producción que aún acompaña a la práctica de la performance, en la que el sostén lo llevan a cuestas los propios artistas.
Este encuentro se llevó a cabo en el Museo de Bellas Artes Lola Mora de la ciudad de Salta, los días 14 y 15 de febrero de 2025. Participaron artistas de Salta, Jujuy, Tucumán, Córdoba, Buenos Aires y artistas internacionales. Se presentaron performances en vivo, video performances, conversatorios, y objetualidades vinculadas a procesos performáticos.
Listado completo de artistas participantes:
Adrián Sosa (Tucumán), Alejandro López (Jujuy), Eulogia Estrada Cejas (Salta), Exequiel Ramos (Salta), Florencia Ruiz (Tucumán), Florencia Vallejos (Tucumán), Gely González (Tucumán), Gabriela García (Tucumán), Luciana Martinez (Tucumán), Maria Morales Miy (Salta), María Laura Buccianti (Salta), Mary Bello (Tucumán), Nadia Salvatierra (Tucumán), Pablo Martínez (Jujuy), Roxana Ramos (Salta), Sol Romero Ponce (Tucumán), Soledad Sánchez Goldar: Curadora (Cba/Salta), Somos Más (Buenos Aires), Tatiana Castillo (Jujuy) y Verónica Galván (Tucumán).
La próxima edición 2026, contará con la curaduría de Geli González y Javier Soria Vázquez, y se desarrollará en Tucumán durante el mes de Abril.
Fragmento del texto curatorial:
Maris Bustamante dice que la performance es como la vida misma, a través de diferentes acciones, registros y video performances cada artista hace presentes sus preguntas, deseos, sueños, dolores… a su alma. La performance es la vida misma, una forma de habitar el mundo y el propio cuerpo, de convivir consigo mismo y con otros.
El arte de acción en Argentina ha sido como la marea del mar, con grandes olas, tormentas marinas, momentos de calma, pero siempre un espacio de libertad, de encuentro, de diálogo, de construcción colectiva, y mucha gestión independiente, siempre en continuo movimiento.
Si bien en los últimos años museos, bienales y salones de arte han incluido e institucionalizado la performance, los proyectos autogestionados por los artistas continuaron como siempre, sosteniendo formas de trabajo colaborativas y espacios de pensamiento, formación y de afectividad, aún en momentos con escenarios económicos y políticos adversos.
Performances en vivo
En cada jornada del encuentro se presentaron acciones, una detrás de la otra. Muchas sucedieron en simultáneo, entre tiempos abiertos y cerrados, una trama de acontecimientos en diálogo. Convergencias como un ritual de encuentro y communitas entre artistas y espectadores en el NOA, fuera de los centros del poder en las grandes capitales del arte. Porque a la Performance Art o Arte de Acción aún la sostiene el afecto por sobre las instituciones; porque seguimos pensándonos de forma situada, desde nuestros cuerpos en el territorio, nuestras identidades en los entornos y paisajes. Porque en el acuerdo tácito de construir espacios de diálogo, los encuentros son intergeneracionales y generosos.
La escritura que se desarrolla a continuación, sin espacio entre párrafos, sin grandes silencios ni respiros para su lectura, parte de un registro escrito en uno de mis cuadernos sobre cómo se concatenaron, fusionaron y hermanaron las diferentes acciones. El tiempo fluído sin pausas, los silencios y la escritura-registro devienen un campo de acción.
Día 1
Se abre la puerta del Museo de Bellas Artes Lola Mora y un tac tac recibe a los espectadores: ¿Cuánto tiempo se tarda en tapar el rostro plasmado en una foto sellándola? ES COPIA FIEL, ES COPIA FIEL, una y otra vez; este enunciado sobre una representación de una foto carnet en un tamaño ampliado. Rostro frontal, sin esbozo de sonrisa, fondo celeste sobre un escritorio de oficina, quien trabaja es la artista; Luciana Martínez, explora la identidad, autenticidad y la reproducción, a la vez que interpela la idea de autoidentidad en una época de posverdad, trolls, identidades falsas e inteligencias artificiales que potencian el engaño. Mientras Tatiana Castillo escribe-cubre su rostro con pintura dorada en una pantalla señalando el racismo de la falsa argentina blanca que la hegemonía nos impuso, Luciana tapa su rostro con tinta de sello en la foto; en este tiempo abierto, en lo que lleva la acción, está la situación de sostener la paciencia en el espectador que se inquieta, pienso: no todo tiene que ser espectacular y grandilocuente, estamos ante gestos que se alejan de la noción de espectacularidad en una época en la que la guerra, la muerte, el genocidio está mediatizado y amplificado por todos los medios visuales posibles. Un cuerpo que cae, un cuerpo que cae y queda tendido en el suelo, María Morales Miy con esa presencia propia de quién tiene la experiencia de proyectarse desde el escenario, ella, que con tan solo su presencia hace que te voltees a verla. María cae desplomada en el suelo con su ropa de trabajo, CON ROPA DE TRABAJO, es una trabajadora, una obrera. Cae, aunque caer, morir, sufrir, lastimarse, llorar… sea una probabilidad muy probable, cae aunque caer sea una posibilidad muy probable. María se desplaza por todo el Museo, así como se observa, acciona, te interpela con la mirada, se te acerca y te regala semillas, pienso en las semillas como las letras de la carta que su madre le dejó estando en cautiverio durante la dictadura militar, palabras que siembran preguntas, amor y lucha. Una señora me pregunta cuándo va a terminar Luciana, dice que le parece largo, que cuando empiezan los demás; pienso: la performance no es para ansiosos, el tiempo siendo elemento estructurante de una performance, a la vez que desde la performance reflexionamos sobre el tiempo, ¿Cuánto tiempo se tarda en tapar el rostro plasmado en una foto sellándola? Mientras Luciana continúa sellando la foto, La colectiva, este grupo de artistas mujeres de Tucumán, comienza de a poco a ocupar la nave principal del Museo, esa sala con pared circular, mucha luz natural y doble altura, una acción con otra acción, momentos simultáneos de micro rituales en los que los cuerpos son materia estructurante de las acciones, los cuerpos es desde donde se reflexiona y con lo que se reflexiona. Mary Bello borda una camisa de su marido ya fallecido, presencia/ausencia se repite en el bordado, Mary hace presente a su marido en la acción, en ese gesto de recordarlo, podemos recordar también a quienes nos faltan, su acción es serena, sencilla, ella sentada, reposada sobre la pared, sola y acompañada a la vez por sus compañeras y por todos nosotros, aquí es donde la afectividad en la performance hermana, abraza; Verónica Galván escribe en su cuerpo con marcador YO SOY YO SOY YO SOY, un énfasis sostenido en el yo, en el ser; y no en el tener, o el ser teniendo, hay un despojo material en esta acción, hay austeridad; mientras tanto, por ahí, te toca que María te elija y te dé una semilla, María flota por el espacio sosteniendo un tiempo suave y sostenido; Gabriela García pela y corta cebollas, se perfuma se encrema se peina con su jugo, se la pasa por el cuerpo por la cara mientras Sol Romero Ponce escribe en un largo papel con carbón: “escribir me protege”, ¿de qué?, ¿de quién?, el carbón deviene arma de escritura y talismán protector; Florencia Ruiz está sentada en una silla, frente a una mesita, se maquilla observando su rostro en un espejo, el público se suma, forma parte, observa también, saca fotos, mientras avanza el tiempo el rostro de Flor se va transformando, el maquillaje en vez de ser utilizado para “estilizar” sus bellos rasgos, los deforma, recuerdo los tutoriales de maquillaje de las redes sociales, este es un anti tutorial o un descargo poético que señala cómo los medios nos sentencian a las mujeres a percibirnos distorsionadamente; María Laura Buccianti se acaricia con unas fotos, las entrega, las comparte, habla con los espectadores que están inmersos en la acción de La Colectiva; Sol ayuda a Vero a ver o escribirse el cuerpo, que sigue con la tarea escribir su piel; vuelo a Gaby que huele rico; mientras tanto, afuera: Laura hace movimientos fluídos y redondos en una escritura en letra cursiva hecha con ferrite, despunta en las baldosas fuera del museo, entre el patio y la vereda la pregunta: ¿Urtubey que hiciste con las francesas? La memoria persiste borra con las manos lo que escribe, no hay olvido aunque se borre (hace poco ví esa misma pregunta en un muro, escrita con aerosol); Somos Más arma una estructura con ramas, va construyendo una especie de bicho canasto, esos que recuerdo de cuando vivía en Buenos Aires cuando era chica, está hecho con ramas que juntaron de la calle, se sostiene, con la acción se es bicho canasto y se ubica en el proceso de armar el objeto de estudio, ese que también nos presentan con una proyección.
Luego de las acciones en el Museo, Roxana Ramos toma la lanza que se encuentra exhibida en una de las salas, del Museo partimos al Teleférico, vamos en diferentes autos, cada uno por sus propios medios, allí Roxana nos propone que observemos y tratemos de colocarnos desde su punto de vista, para ver cómo dibuja con ese objeto las montañas que vemos enfrente nuestro, allá a los lejos, mientras cae el sol.
Día 2
Me pregunto a mí misma: ¿De qué manera abordamos la documentación para que no forme parte de las acciones? Cámaras, teléfonos filmando forman parte del acontecimiento. Que linda que es la sala grande del Bellas Artes, esa curvatura, la luz natural, la doble altura, allí Somos Más retoma la labor del día anterior, al ingresar al museo el capullo de bicho canasto está armado, proceden a desarmarlo, parte por parte, tan metódicamente como cuando lo armaron el día anterior, el hacer y el deshacer, así como en la naturaleza, los procesos orgánicos de existir y transformarse, un cálido abrazo cierra la acción, no hay nada más hermoso y natural que un abrazo; Exe Ramos con esa presencia que se proyecta en el espacio, que te atraviesa, propone una relación experimental con cardones secos, vestigios de aquellas presencias erguidas en la puna salteña, de territorios áridos con los que su cuerpo danzó; mientras tanto la espera de Geli González, un tiempo en latencia en ese espacio compartido entre artistas, entre diversas identidades, ella con las manos que solo pueden agarrar esos objetos, sostener el agua, avanzar y retroceder, Geli tiene los brazos cubiertos de cinta hasta el codo, sus manos están pegadas a los cuencos; la convivencia espacial y temporal entre Eulogia Estrada Cejas y Geli, un desarmar trenzas, mientras la otra camina por el espacio, un andar lento, ¿tiene los ojos tapados o veo sus párpados porque mira para abajo? El largo cabello de Eulogia, que cepilla con la Sijraña, cepilló la mitad del cabello, cómo cambia se ve diferente a la otra parte que no trenzó, Geli sigue caminando transportando agua en cuencos blancos pegados a sus manos con cinta, el agua va goteando por sus manos encintadas porque cuando camina las desborda, Geli se va mientras el olor del sahumerio invade todo, Eulogia vuelve a trenzar el pelo, al trenzar realiza un tirón de pelo ajustando la trenza, el trenzar es una acción rítmica que se da por cada tironcito para ajustar la trenza, está llorando, cierra el trenzado con unas tulmas que tienen sonajero se acomoda las trenzas para atrás, recolecta el pelo del suelo y también de entre la paja de la sirjraña, lo saca con una punta de alpaca, envuelve el pelo y hojas de coca en una tela, se le caen las lágrimas, sale del museo, escarba la tierra de la base de un árbol que plantamos con otras artistas hace un año, entierra el paquetito de tela, que contiene su cabello y las hojas de coca; Flor, que ayer pintaba su rostro en otra acción, invita a otras mujeres a trenzarse el pelo hacen una fila, una detrás de la otra, cada una trenza diferente conversan se van sumando en mujeres a la fila, me resulta una imágen muy bella, mujeres trenzando el cabello de otras mujeres… Afuera, en la entrada principal, un montículo de ceniza de la malhoja de la caña de azúcar (producido por la quema ilegal de cañaverales) está en una situación de espera sobre una mesa, dos sillas entrentadas, que indican que algo va a suceder allí, Verónica y Adrián Sosa en Inspirar/Expirar, parece una mesa familiar con mantel blanco, ambos vestidos de blanco, esculpen y dibujan la malhoja con el aire de sus de sus pulmones, esa malhojas que los tucumanos respiran cada día por los ingenios azucareros, él sopla hacia ella, el residuo cubre sus brazos, ella, delicadamente, intenta barrer la malhoja, ¿un duelo’ ella tose hay una neblina oscura en el ámbiente, público se corre ante la invasión de esas partículas en el aire, ellos siguen… esculpen y dibujan con el soplar y su aliento…. él sopla fuerte, pienso: esa energía masculina de m***** que te jode la vida, no sé si es la intención de ellos, pero por momentos es posible hacer una analogía sobre las relaciones de pareja… ahora siento el olor a quemado de esas cenizas, Vero tiene todo el pelo lleno de esa cosa, tose sobre los carrasca liberando una parte del mantel él se inclina él se limpia los ojos en el mantel Ella es tan delicada que a veces pareciera que baila sobre ese humo neblina, acaricia el mantel y parece que está dibujando la malhoja cubre el piso, ella está ensimismada dibujando: manos, brazos, caras, pelo, ropa, todo sucio…. Él se tapa los oídos está sentado Ella se fue él acaricia el mantel con sus manos escribe con un dedo la palabra inspirar como cuando dibujas con carboncillo y hacés las partes blancas con una goma.
Objetualidades
Una de las salas del museo fue ocupada por objetos-restos-registros, de las obras de los artistas Roxana Ramos y Pablo Martínez.
En el texto La performance permanece (2011), Rebecca Schneider cuestiona la dicotomía tradicional entre archivo (como lo duradero, lo escrito, lo objetivado) y repertorio (como lo performativo, lo corporal, lo desapareciente), proponiendo que la performance, lejos de disolverse, permanece precisamente en su repetición, en su huella afectiva, en los residuos que produce. En este sentido se pensó una sala que contenga diferentes objetos y materialidades de registro de la performance, haciendo hincapié en la permanencia de la performance a través de ellos. También se pensaron como objetos latentes de ser retomados para la acción, como en el caso de Lanza para la performance Orillar, que Roxana Ramos presentó en el marco de este encuentro en el Cerro San Bernardo.
En las salas tenemos por un lado los objetos de Roxana Mango de Pala y Lanza: en este caso en total latencia performática, son objetos que ella utiliza en sus acciones pero que a la vez se exhiben en sala y que presentan, no sólo su materialidad sino, que también, la memoria que traen consigo. Son un repositorio de tradiciones, herencias y corporalidad cotidiana, extracotidiana y artística; hay un convivio entre legado y las prácticas performáticas que Roxana ejerce sobre ellos.
Por el otro, exhibimos el registro de un objeto que fue constituído en el desarrollo de la performance Peregrinación de Pablo Martínez, un dispositivo de acceso a ese objeto que de alguna manera ya nos está vedado porque pertenece a una colección. También funcionan como registros de la performance, él caminando sobre el papel dejando huella y haciéndose presente en una peregrinación que no pudo ser, pero que fue en ese acto simbólico y el deseo de cumplir una promesa. Los registros fotográficos nos acercan de una manera mediada a la acción, no son la acción, lo sabemos ¿Pero qué sería de la historia de la performance sin ellos? ¿Qué sería de los registros fotográficos de performance sin el relato?
Video Performances
En el marco de Convergencias se presentaron video performances de artistas del NOA y una curaduría de videos del proyecto DISLOCADA/DISLOCATED.
La video performance es una práctica artística híbrida en la que se articulan las dimensiones de la performance art, la corporalidad y el lenguaje del video. Se trata de acciones pensadas para ser realizadas frente a la cámara y ser registradas en el formato de video. Escapan de la noción de documentación audiovisual que tradicionalmente acompaña a la performance art; en la video performance el medio del video es parte constitutiva de la obra. De esta manera el cuerpo, espacio, tiempo y video interactúan entre sí; el encuadre, los movimientos de cámara, los cortes o la edición son decisiones estéticas y conceptuales que construyen el sentido de la obra. El tiempo puede ser manipulado en la edición y la noción de espacio puede ser tensionada mediante su manipulación digital.
Algunas notas sobre los videos presentados en Convergencias
En Ir viniendo - Intento N° 33, Nadia Salvatierra presentó una pieza en la que tiempo presente y pasado se conjugan e interrogan en un mismo plano. La artista aborda el archivo personal desde la performance, apelando a material documental de video y el archivo corporal de acciones que fueron documentadas en su niñez.
Negra de mierda es una video performance de Tatiana Castillo, artista que ya viene trabajando en relación a su identidad marrón, el racismo estructural en Argentina y la repercusión de la vivencia del racismo en la vida cotidiana. En esta obra se apropia de frases y términos de carácter racista y misógino, tales como negra de mierda, puta e india, al identificarlos como los agravios habituales dirigidos hacia las mujeres morochas en contextos de denigración. Castillo apela a una proyección de gran tamaño con una clara referencia al artista alemán Joseph Beuys y su uso de las láminas de oro en el rostro, en este caso escribiendo con pintura dorada sobre su rostro con un giro a la reflexión sobre el blanqueamiento en Argentina y el racismo estructural con el que convivimos.
Alejandro López presentó su video performance El ruido y el silencio situada en el paisaje montañoso de Jujuy, en la que ejerce un voluntario acto de violencia. El artista plantea a la performance como una indagación en las dinámicas de poder mediante el choque repetitivo entre cuerpos, con el fin de exponer una genealogía de la violencia. López vincula los mecanismos de control tradicionales con situaciones contemporáneas e históricas, equiparando el sometimiento de los pueblos originarios y la degradación ambiental con las jerarquías impuestas en las relaciones humanas más básicas.
Muestra DISLOCADA/DISLOCATED
Bajo la premisa El poder de los cuatro elementos y el cambio climático, DISLOCADA/DISLOCATED (1) hizo un llamado a convocatoria para la presentación de piezas en video para su versión 2024. De esta manera se presentaron y seleccionaron videos de artistas de diferentes países que reflexionaron sobre los cuatro elementos aire, fuego, tierra y agua, también sobre el cambio climático y la relación del concepto de antropoceno y el impacto del hombre en la tierra y el clima.
Desde Convergencias se le propuso a la organización de DISLOCADA/DISLOCATED la exhibición de la edición 2024 en el contexto de este encuentro, partiendo de la idea del territorio NOA como zona de extracción de metales y minerales. Se invitó a pensarlo como un territorio marcado por un fuerte extractivismo que modela, transforma y contamina la tierra, así como una forma de señalamiento ante el avance de las ideas de la ultraderecha internacional que niegan el cambio climático y sus consecuencias para la humanidad.
Equipo curatorial 2024:
Casa de Duende, Dissident Bodies, BrobDinGnag (BDG)International, La Sonora Performancera, Colectivo AVD, Laboratorio Tangencial De Arte Posnación y Live Hive
Conversatorios
Los conversatorios fueron pensados como una posibilidad de encuentro entre artistas que ya tienen un recorrido realizado en el arte de acción. Participaron Gely González y María Laura Buccianti, dos artistas que desde hace años vienen indagando en la performance y aportando desde sus haceres al campo del arte de la región.
Como primer conversatorio introductorio se presentó el proyecto de investigación "Aproximaciones hermenéuticas a las prácticas procesuales en el arte contemporáneo entre 2010-2020", dirigido por Roxana Ramos, integrado por Soledad Sánchez Goldar y financiado por la Universidad Católica de Salta. En este conversatorio se mostraron avances de esta investigación que involucra a artistas como María Laura Buccianti, Guido Gianitto, Mario Llullaillaco, Ivana Salfity, Javier Soria Vázquez, entre otros.
Gely, presentó su charla Una sinfonía de las cosas, en la que mediante la exhibición de imágenes hizo hincapié en ciertas persistencias y temáticas en sus prácticas y cómo lo doméstico atraviesa su hacer. Presentando su recorrido, en su conversatorio manifestó: “No nací performer, el proceso me fue llevando”, un proceso en diálogo con diferentes prácticas artísticas, fundamentalmente su formación en música, objetos y prácticas vinculadas a lo doméstico y la docencia en la Universidad Nacional de Tucumán.
En la charla De lo oculto a la luz del afuera María Laura recibió al público con los vestidos de Las que lloran ubicados en sillas destinadas a los espectadores y diferentes objetos que conforman el archivo de su obra instalados en el auditorio. De esta manera, su hacer y su recorrido como artista vinculada a la performance art tuvo cierta tangibilidad mediante los objetos, desde los vestidos utilizados en Las que lloran hasta los objetos que utiliza en EnSayo. Los objetos memoriosos y su relato dieron cuenta de su camino desde las artes visuales, la performance y el teatro performático, el trabajo colaborativo y el ejercicio de la memoria en relación a femicidios y la vida de Ana María Villarreal, fusilada en Trelew en 1972.
1. Dislocada/Dislocated es un proyecto que nace en 2019 de manera transnacional, sustentado desde la gestión y la curaduría colectiva en el que participan diferentes colectivos de artistas: Encuentro de Acción en Vivo y Diferido -AVD- (Bogotá, Colombia), BrobDinGnag -BDG- (Wilmington, Carolina del Norte, EE. UU.), Cuerpos Disidentes (San Juan, Puerto Rico y Filadelfia, EE. UU.), Casa de Duende (Filadelfia, EE. UU.), No Nation (Chicago, EE. UU.), La Sonora Performancera (Oaxaca, México) y LiveHive (India). Juntos realizan convocatorias anuales y temáticas de video arte y video performance, en las que proponen cuestionar la heteronorma, cuestiones ambientales y sociales.
2.Las que lloran es una acción colectiva que interviene el espacio público creada por María Laura Buccianti y en la que participan mujeres y artistas del colectivo Bien Criadas, en agosto de 2012 fue realizada en la Plaza 9 de Julio, ubicada en el centro de la Ciudad de Salta, en esta acción las mujeres participantes utilizan vestidos blancos y se desplazan por el espacio con la cabeza baja, tomando como referencia la imagen de las lloronas de Yavi. Las que lloran es una acción que denuncia la violencia hacia las mujeres.
3. EnSayo es una pieza de performance teatral de María Laura Buccianti estrenada en el año 2021, en la que aborda la figura de Ana María Villarreal alias La Sayo, asesinada en la Masacre de Trelew en 1972. En esta pieza la artista reivindica a esta militante política, la relación de ésta con su pareja Roberto Santucho y la dimensión poética de su vida.
Fuentes:
Schneider, R. (2011). El performance permanece. En: Taylor, D., y Fuentes, M. A. (eds.), Estudios avanzados de performance, Fondo de Cultura Económica, pp. 215-240.
Cómo citar este artículo: Sánchez Goldar, S. (12 de febrero de 2026) SUCESO: De lo colectivo, lo afectivo, y la performance en un territorio descentrado: algunas notas sobre Convergencias - Encuentro Regional de Performance en el NOA 2025. Argentina Performance Art. https://www.argentinaperformanceart.com/post/suceso-de-lo-colectivo-lo-afectivo-y-la-performance-en-un-territorio-descentrado-convergencias
Suceso a cargo de Soledad Sánchez Goldar (Argentina). Corrección y compaginación web: Equipo APA.
Soledad Sánchez Goldar (Capital Federal, 1977). Vive y trabaja entre Córdoba y Salta. Es Licenciada en Teatro por la Universidad Nacional de Córdoba, artista, gestora cultural y docente. Forma parte del proyecto de investigación y producción en artes Escrituras Performáticas: Cuerpo y Acción en Efimerodramas, radicado en el CePIA, UNC. Formó parte del proyecto de gestión La nariz en la taza junto a María del Carmen Cachín y ha participado en la organización de festivales y ciclos de performance art, entre ellos: Aún sin título Arte de Acción; Huvaiti, salir al encuentro; Nómades, Festival de performance e intervenciones urbanas; Mutaciones.
